CADA UM TEM A GÊMEA QUE MERECE (JACK AND JILL) X VIZINHOS IMEDIATOS DE 3º GRAU(THE WATCH)

Resolvi falar sobre esses dois filmes de forma conjunta porquê, sinceramente, eles não merecem um post só pra eles. Outro motivo é poder comparar a obra e o perfil de Adam Sandler e Ben Stiller, dois dos "comediantes" mais celebrados do atual cinema norte-americano. É verdade que ambos já fizeram alguns filmes "assístiveis", em sua maior parte comédias românticas. É também fato que, ao tentarem se aventurar em outros gêneros, raramente o resultado foi produtivo.

Foi este o caso com Adam Sandler, que, a exemplo de Eddie Murphy em suas comédias Vovózona e Dr. Doolittle, impersonou mais de um personagem na mesma obra. Confesso que não assisti nenhuma delas, mas é difícil acreditar que a performance de Murphy tenha sido menos sem graça que os dois irmãos gêmeos encarnados por Sandler. A dupla é composta de um publicitário e sua irmã, uma figura caricata que, por mais trapalhadas e piadas forçadas que faça, não consegue arrancar risadas do público, em tentativas sofríveis por parte do ator principal, que simplesmente não combina com esse tipo de papel.

O que talvez salve o filme do desastre total é a participação do deus do cinema Al Pacino, que, interpretando ele mesmo, acaba de apaixonando pela estabanada gêmea. O irmão precisa da participação de Al em um comercial de TV para salvar sua agência, e acaba movendo mundos e fundos para convencer a irmã a dar uma chance para o ator.

O resultado final é uma comédia de baíxissima qualidade, com índice nulo de piadas inteligentes e praticamente o mesmo nível de risadas para qualquer pessoa com QI acima de 80.

Igualmente mal-sucedida foi a empreitada de Vizinhos Imediatos de 3º Grau, capitaneada por Ben Stiller e Vince Vaughn, em um roteiro que tenta misturar ficção científica e comédia, em um resultado, no mínimo, indigesto.

Os dois atores fazem parte de um grupo de vigilantes de uma vizinhança que foi atacada por um ser estranho, que mais tarde se descobre ser um alienígena. Vaughn é pai de uma adolescente e alterna o trabalho de vigilância da vizinhança com a patrulha da virgindade da filha. O filme tenta repetidas vezes fazer uso de piadas à là videocassetadas, com nenhuma sacada digna de receber a alcunha de humor inteligente. Nem mesmo o ator Jonah Hill, que apresentou performances carismáticas em outros filmes, teve bom desempenho.

Aos que alegam assistir filmes só por diversão, para descontrair e não para pensar, recomendo que façam outra opção, pois estarão comprando gato por lebre.

LIKE STARS ON EARTH (2007)

Meu primeiro contato com o cinema indiano se deu em 2008, com o premiadíssimo “Quem quer ser um milionário?”. Por incrível que pareça, Like stars on Earth compartilha muitos dos prós e contras com o mais premiado êxito de Bollywood até hoje, a citar. Como aspectos positivos, ambos apresentam esquema de cores e fotografia belíssimos, roteiro criativo e fora do mainstream americano, elenco muito bem escolhido, com atores e atrizes desempenhando espetacularmente seus papéis, demonstrando a grande capacidade de direção do indiano Aamir Khan.

Infelizmente, é difícil encontrar um filme perfeito. Que me desculpem os saudosistas dos antigos musicais, mas a inserção de canções com clipes no meio de filmes não me agrada e foge ao propósito de contar uma estória com objetividade.  Ao levar em conta que é a vida de uma criança indiana que está sendo contada, até pode-se fazer vista grossa para os cerca de 20 minutos “perdidos” com musicais, alguns deles até pertinentes ao relato, mas a maioria não.

Digressões e críticas a parte, Khan consegue transformar algo que poderia ser visto como piegas nas mãos no diretor errado em mais de duas horas e meia de uma história de emoção e superação. O final da frase anterior já dá a dica: nosso protagonista, o espoleta Ishaan Awasthi, de 8 anos, bagunceiro, distraído e, aparentemente, com inteligência abaixo da média. O menino-problema é causa de constantes dores de cabeça para seus pais, que não tem o mesmo problema com o filho mais velho, Dada, que sempre tira as notas mais altas da sala.

Um dia, Ishaan gazeia aula e pede para o irmão forjar a assinatura da mãe, para fugir da bronca. Como mentira tem perna curta, o golpe acaba sendo descoberto e os pais vão à escola, onde recebem mais uma enxurrada de reclamações sobre o filho. O pai decide que essa é a gota d’água e manda o filho para uma escola interna.

Ali, dá-se uma transformação radical na personalidade do menino até então bagunceiro e sempre com um sorriso no rosto. A dificuldade de aprendizado lhe faz virar motivo de riso constante dos colegas e broncas dos professores, que lhe chamam a atenção todos os dias. Ishaan, praticamente mudo e deprimido, parece estar no fundo do poço quando seu salvador da pátria aparece. O professor de artes, carrasco que dava reguadas nos alunos que não desenhassem objetos com perfeição, muda de emprego, dando lugar a um professor interino. Esse jovem, de métodos pouco ortodoxos, é o que descobre o que há de "errado" com Ishaan e vê o potencial do menino escondido atrás de uma falsa fortaleza que o menino tenta impor para o mundo.

É a partir daí que o filme floresce e começamos a torcer ainda mais pelo protagonista, quando descobrimos o que havia de errado com ele e o poder que a confiança dos outros pode exercer em nós, tanto para o bem, quanto para o mal.  É uma linda lição de vida.

POESIA E IMAGEM: UM MATRIMÔNIO DE SUCESSO

O autor da máxima “uma imagem vale mais que mil palavras” provavelmente não considerou que as tais “mil palavras” em questão estivessem em forma de poesia. Afinal, como poderíamos comparar a profundidade de uma poesia, que descreve das mais simples paisagens aos mais complexos sentimentos, a uma fotografia, que nem sempre retrata a veracidade de uma situação?
Indo mais a fundo, poder-se-ia dizer, ainda, que poesia e fotografia caminham de mãos dadas. Consideremos o fértil campo do cinema, que nada mais é que uma sucessão de fotografias. Fosse a imagem suficiente para descrever qualquer cena que fosse, o cinema mudo não necessitaria legendas para se fazer entender, caso contrário os filmes sem diálogo perdurariam até hoje, o que não acontece justamente devido a tal interdependência. O fato é que a imagem ganha força e atinge sua plenitude máxima quando acompanhada das palavras certas e vice-versa.
A exemplo dos cineastas, também os poetas, principalmente os concretistas, viram a necessidade de aliar a mensagem ao visual, dada a preocupação dos últimos em aliar o conteúdo que escreviam à forma do mesmo, diferente da poesia convencional. Tal experimentalismo, em contrapartida ao cinema, pode ser observado em abundância no cinema noir, ou nouvelle vague francês, onde, além da poesia inerente tanto ao cenário quanto aos roteiros, observava-se grande preocupação estética, indo do tratamento preto e branco das imagens (cooptado mesmo quando o technicolor – técnica de colorização de filmes – já estava disponível) ao ambiente sempre romântico e até certo ponto utópico retratado pelos diretores daquelas películas.
No cinema contemporâneo, um nome a ser citado é o do diretor americano David Lynch. Para muitos, o cinema nonsense de Lynch estaria mais para um videoclipe sem pé nem cabeça que para uma obra de arte propriamente dita. Para a minoria restante, onde me encaixo, a obra do cineasta aliaria uma poesia de vanguarda, abstrata e contemporânea - alheia aos ditames do poesia clássica - a um trabalho de imagem igualmente poético, preocupado em complementar a mensagem transmitida ao público.
Opções que ilustram o casamento de sucesso entre poesia e imagem não faltam, o que nos permite concluir não que uma imagem vale mais que mil palavras e sim que a imagem certa permeada pelas palavras adequadas, essas sim, valem mais que mil palavras e mil imagens sem conteúdo juntas.

A ILHA DO MEDO (2011)

Tivesse eu assistido a esse filme ano passado, teria sido totalmente diferente a minha interpretação sobre o mesmo, já que, além da satisfação que um filme nos causa, outro quesito importante a considerar são as referências que podemos traçar entre obras (literatura, filmes, música) que já conhecemos e as que estamos conhecendo ou prestes a conhecer.

A razão de tamanha mudança é que nesse ano, durante o primeiro ano da faculdade de Letras-Inglês, estou aprendendo sobre psicologia e filosofia.

Da primeira matéria, auxiliou a mudar minha visão sobre o filme o conceito de psicanálise, desenvolvido por Sigmund Freud. A conexão com o filme se observa na supressão de memórias que o personagem principal, vivido por Leonardo di Caprio, se vê obrigado a exercer para que possa se manter vivo. Tamanha é a influência dos acontecimentos que o personagem se obriga a esconder sua personalidade principal e assumir um alter-ego, esse sim sem um horrível passado a esconder.

A estória, como era de se esperar, se passa em um hospital psiquiátrico para criminosos perigosos, localizado na Ilha Shutter. Di Caprio, o agente Teddy Daniels, chega a essa ilha acompanhado de Chuck, um parceiro policial, interpretado por Mark Ruffalo. A missão dos dois seria descobrir o paradeiro de uma perigosa interna que teria escapado misteriosamente da ilha.

A estadia, que deveria durar ao menos até o mistério ser resolvido, acaba sendo reduzida devido a recusa que o diretor do hospital (Ben Kingsley) oferece aos pedidos de documentação e entrevistas requisitados pelo oficial. O retorno antecipado também acaba sendo adiado, devido a uma tempestade inesperada que assolou a ilha na mesma noite.

O prolongamento acaba dando à Di Caprio a oportunidade de vasculhar melhor a ilha, e, assim, ter a oportunidade de levar a cabo sua verdadeira intenção no local: encontrar o suposto incendiário que teria posto fogo na casa de sua falecida mulher, matando a ela e seus dois filhos.

Acresce-se a lista de descobertas uma ex-psiquiatra do hospital, que faz revelações bombásticas ao agente sobre algumas atividades "secundárias" que acontecem na ilha, fato este que acaba turbinando ainda mais a paranóia de Di Caprio.

A trama ganha pouco a pouco contornos cada vez mais esquizofrênicos, alternando o ponto de vista dos médicos e do agente, chegando-se a um ponto quando não sabemos mais em quem acreditar. É nessa hora que um flashback, inspirado na tragédia grega de Medéia (eis minha contribuição da aula de Filosofia), nos ajuda a entender quem tem realmente razão. Tanto na versão original quanto nesta atual, é realmente algo difícil de engolir, até mesmo para Leonardo di Caprio.

Para os que não estão familiarizados com os conceitos de psicanálise e da tragédia grega em questão, talvez esse filme não cause o mesmo impacto que causou em mim. Ainda assim, apesar de grosso modo ser um thriller cujo roteiro é relativamente batido, aspectos como atuação, a fotografia (o clima sombrio do filme é muito bem produzido), a trilha sonora (de grande serventia para a construção do clima de suspense) e principalmente a confusão que o diretor acaba conseguindo causar no espectador fazem de A Ilha do Medo um filme a ser assistido com bons olhos.

THE KING'S SPEECH (2010)

Dentre os candidatos à premiação de melhor filme do Globo de Ouro deste ano, o que mais me agradou foi O Discurso do Rei e, apesar de A Rede Social ter levado o premio acima citado, é meu favorito ao Oscar daquela categoria.
A primeira razão é o roteiro do filme, que se encaixa naquela fórmula de um protagonista (nesse caso o rei George VI, da Inglaterra) que vence grandes dificuldades (uma gagueira de origens emocionais) com o auxilio, digamos, da última opção disponível (um terapeuta vocal que aprendeu suas técnicas durante a guerra).
Colin Firth (merecidamente vencedor do Globo de Ouro de melhor ator principal) encarna o segundo na linha de sucessão monárquica, sendo cooptado apenas por suas restrições de discurso e substituído, às pressas após a morte de seu pai, por seu irmão boêmio , o rei Edward VIII (vivenciado pelo canastrão Guy Pearce, convincente no papel). Acontece que Edward acaba diante de uma encruzilhada moral: sua pretendente já foi divorciada duas vezes e, não podendo desposa-la por razões do protocolo real, acaba optando em deixar o cargo ao irmão.
Nesse ínterim, o ainda Duke de York (Firth), já farto de fracassos nos diversos terapeutas a que havia recorrido, acaba sendo convencido pela futura rainha Elizabeth (a carismática Helena Bonham Carter, de Clube da Luta) a tentar uma última cartada, experimentar os métodos pouco ortodoxos do ex-ator de teatro e terapeuta vocal Lionel Logue, encarnado pelo excelente e injustiçado Geoffrey Rush. A relação entre médico e paciente começa tumultuada, prejudicada sobremaneira pela soberba do Duque de York, que acaba sendo amolecida aos poucos pelos inéditos resultados que Lionel, como o mesmo insiste que o chamem, acaba demonstrando.
O morango do bolo acaba ficando para o final, quando, em um momento regido magistralmente pelo diretor Tom Hooper, o então monarca vê-se obrigado a dar um discurso via rádio para sua nação, anunciando a guerra contra os alemães de Hitler. Permeado por uma trilha clássica que faz tremer da cabeça aos pés, Firth protagoniza um dos momentos de maior emoção histórica que já pude presenciar nos filmes que já assisti. Um deleite poder presenciar a melhor atuação de Firth que já vi e também Geoffrey Rush finalmente retornando a receber um papel que exigisse mais de seu grande talento, como visto em Shine, de 1996.

HOT FUZZ (2007)

Depois de uma certa bagagem cinematográfica, quando estamos familiarizados com os principais diretores e estilos de cinema, é lugar-comum que filmes com explosões e tiroteio constantes não podem levar a sério. Pois bem, Chumbo Grosso, no título em português, é uma exceção à regra.

Essa comédia inglesa é digna de ostentar a fama do "humor inglês", ácido, cínico e sem a apelação que suas congêneres americanas apresentam em profusão.

O roteiro é delicioso: uma crítica tenaz à polícia metropolitana inglesa, que, quem diria, tem alguns vícios parecidos aos de alguns companheiros brasileiros. Porém, dentre um batalhão de defensores públicos preguiçosos, aparece um espécime raro: Nicholas Angel. Angel, um policial prodígio, é o terror das ruas de Londres, tanto para os criminosos, quanto para os próprios colegas, que se sentem inúteis frente ao desempenho ímpar deste.

Visando limpar a barra da corporação, o auto comando da força decide transferi-lo para Stanford, uma cidadezinha pacata que ostenta os menores índices de criminalidade do país, ou seja, o limbo para Angel.

Mas o que aparentemente seria o cúmulo do tédio para tão gabaritado profissional, acaba se revelando justamente o contrário. Inicialmente sendo compelido a autuar infrações pouco "emocionantes", como menores bebendo em bares, policiais bêbados tentando voltar dirigindo para casa, entre outros, acaba virando em uma conspiração para proteger a reputação da idade.

É aí que Angel, juntamente com Danny Butterman, filho do inspetor-chefe da cidade, começa a mostrar serviço, desmascarando uma onda de crimes que há muito vinha sendo encoberta. Uma comédia inteligente, saborosa e cheia de surpresas, muito acima da média.

THE INVESTIGATOR (2008)

Em uma época onde nada mais se cria, um tanto se transforma e outro tanto se recicla, é revigorante presenciar um thriller húngaro à altura do suspense que o mestre Hitchcock impingia à suas películas.

Afinal, uma definição de um bom suspense não seria "colar o espectador à poltrona, com o coração palpitando e à espera do próximo susto, ou revelação surpreendente"? Nesse quesito, nota 10 para esse enredo intrigante e bem amarrado, ainda que com nem tanta originalidade.

Ainda assim, é gostoso se pegar imaginando o que virá pela frente e esperar até os últimos minutos para saber as surpresas que o roteiro nos revela.

Uma outra referência digna de menção são as implicações morais, que até certo ponto lembram parte da obra de Bergman, presentes na história. Ora, e agora começo a falar do filme em si, quão difícil é julgar se o assassinato é certo ou errado quando o objetivo do mesmo é a tentativa de salvar a vida da própria mãe, por piores condições de saúde e mais avançada a idade em que ela esteja? A indecisão em "julgar" bem e mal se torna ainda maior quando nos tornamos familiares com o personagem principal, um patologista assistente (ou, em miúdos, o homem que toma conta dos cadáveres que chegam a um hospital e os trata para que estejam apresentáveis na hora do funeral) retraído, intimista e introvertido, alheio ao convivío social, para qual a morte não representa um tabu, mas sim sua rotina diária.

E o que pensar quando descobrimos que esse homem, Tibor Malkav, recebe, alguns dias após o crime, uma carta do homem que matou, dizendo ser seu meio-irmão? É a partir daí que a história ganha ainda mais fôlego, quando uma intrincada trama familiar de intriga, cobiça e mistério dá mais tempero ao clima tenso do enredo. Nós mesmos, nesse ponto, já estamos querendo assumir o papel de investigador de nosso anti-herói do filme ansiosos em saber porquê alguém incitaria outrem a assassinar o meio-irmão desconhecido. É justamente essa "qualidade", digamos assim, que confere a esse filme um tal ar de nostalgia, que só é dissipada quando nos damos conta que não a cores exibidas em nossa tela ultrapassam o charme do preto e branco e a artificialidade do Technicolor® utilizado em alguns filmes de Hitchcock. E assim, percebemos que o bom cinema de suspense ainda está vivo, ao menos fora de Hollywood.

LADY VENGEANCE (2005)

Certa ocasião um amigo havia comentado comigo sobre um diretor sul-coreano chamado Chan-wook Park, conhecido pelo polêmico Old Boy, um misto de belíssima linguagem visual e problemas familiares dignos da fábula grega de Édipo.

Eis que tempos atrás o mesmo amigo comentou sobre um interessante blog (foriegnmoviesddl.blogspot.com) onde pude encontrar uma imensa lista de filmes cult. Ali, vi elencados alguns filmes de Park, entre os quais o objeto do post de hoje.

A exemplo de Old Boy, Lady Vengeance trata de dramas complicados da sociedade. O "novo", nessa história, talvez seja uma das maiores inversões de paradigmas que pude observar até hoje dentre os filmes que já assisti.

Afinal, em que mundo uma jovem, por mais bonita que seja, que tenha sequestrado e matado uma criança acabaria virando a heroína de qualquer história fosse? É também difícil imaginar a mesma anti-heroína ser capaz de demonstrar os mais profundos laços de afeto para com sua linda filha, da qual esteve privada da companhia durante o longo período em que esteve presa.

Seria irresponsabilidade demais de minha parte revelar como e porque a bela Yeong-ae Lee reverte uma situação de escárnio público em exemplo de moralidade e cumprimento da justiça em uma sociedade que teoricamente teria um poder judiciário muito mais eficiente que o lentíssimo sistema brasileiro.

Outra quebra de paradigma presente é como Park consegue a façanha de sincronizar uma lindíssima poesia visual (fotografia digna de Oscar), de cores e montagens estonteantes, a um tema tão violento e polêmico, sem o uso de imagens explícitas e deixando os momentos mais chocantes a cargo da imaginação do público.

Eu mesmo me peguei "mordendo a língua" durante o filme, pois, há pouco tempo nunca poderia imaginar que um filme cheio de ação e violência poderia despertar tanta admiração em mim, por mais que acabasse, em um segundo momento, revertendo-se em um drama profundo, interno, e até mesmo filosófico e sociológico. Lady Vengeance é um colírio para os olhos, mas uma chacoalhada na moral e nos paradigmas. Encanta, mas choca. Palmas para Park.

SLUMDOG MILLIONAIRE (2008)

Tem feito grande sucesso no cinema de países subdesenvolvidos a fórmula de expor ao mundo as próprias mazelas. O brasileiro Cidade de Deus, que mostra brilhantemente a realidade da violência urbana e o uruguaio O Banheiro do Papa, que expõe, entre outros problemas, a questão do desemprego no país, são bons exemplos dessa classe de “cinema social”. O cinema indiano trouxe recentemente ao espectador um ótimo espécime dessa classe de filme, exibindo na telona o triste cenário de Mumbai, uma de suas principais metrópoles, onde criminalidade, terrorismo, trabalho infantil, prostituição e mais uma gama de desordens sociais encaixam-se com uma deliciosa história.
O principal personagem do enredo é Jamal, jovem que trabalha como assistente de telemarketing (serve chá aos telemarketeiros, na verdade) e tem a oportunidade de sua vida quando consegue participar do programa de TV “Who Wants to be a Millionaire”, que originou o brasileiro “Show do Milhão”. A participação acaba resultando em uma performance de tirar o fôlego, tanto que são levantadas suspeitas de fraude, o que leva nosso herói a ser submetido a um interrogatório policial. Nesse questionamento, Jamal justifica ao inspetor como sabia todas as respostas, sempre com flashbacks remetendo aos deliciosos episódios em que cada situação lhe fez lembrar do que lhe havia sido perguntado. É nesses retornos que o habilidoso diretor inglês Danny Boyle aproveita para ilustrar (com belíssimas imagens, fotografia colorida e vistosa nas paisagens, e desoladora e cinzenta, nas favelas e guetos) a sofrida infância dos irmãos órfãos Jamal e Salim. O resultado é um filme que glorifica o amor e a esperança em ter uma vida melhor, mesmo nas piores condições possíveis. Edifica também valores como o perdão e a redenção, em situações impassíveis de se-lo. No final das contas, acaba sendo muito mais que “meramente” um exemplar puro-sangue do cinema social; está mais para um “quase-documentário” lírico do sofrido cotidiano de um país pobre, recheado de lições de vida.

EL BAÑO DEL PAPA (2007)

Essa deliciosa crônica de costumes tem como plano de fundo a tão minúscula quanto desconhecida localidade de Melo, no Uruguai, próximo a divisa com o Brasil. Tamanha proximidade (apenas 60 km) faz com que alguns dos habitantes de Melo, entre eles o protagonista Beto, se utilizem de bicicletas para fazerem pequenos contrabandos de nosso país para o deles, de modo a burlar o desemprego e a pobreza. Logo no início do filme o público já se depara com a tênue linha entre o drama e a comédia, do tipo ‘rir pra não chorar’ presente em uma cena que o fiscal de fronteira Pelayo persegue os ‘contrabandistas’ uruguaios com uma velha caminhonete Chevrolet, os para, os tiraniza, os ameaça de confiscar toda a carga e, no final, pega apenas uma garrafa de whisky que um dos amigos de Beto iria vender ao dono da venda da cidadezinha.
Essa rotina é quebrada por um acontecimento de proporções globais: a comitiva do Papa João Paulo II iria passar pela região, atraindo uruguaios de todo o país e muitos brasileiros (as previsões mais otimistas diziam que 200 mil cruzariam a fronteira). Vendo a oportunidade de mudar de vida, a população moveu mundos e fundos (alguns até empenhando suas próprias casas) para estarem aptos a receber os visitantes e oferecer-lhes uma ampla variedade de alimentos, desde sanduíches de chorizo a algodão doce. A idéia de Beto para ganhar dinheiro surgiu justamente daí – afinal, com tantos alimentos, todos teriam que utilizar-se de um banheiro, uma hora ou outra. Após emprestar quase todas as economias de sua esposa Carmen (o restante seria para pagar a faculdade de Jornalismo de sua filha Sílvia, que queria ser radialista), Beto teve que se envolver em um esquema com Pelayo para poder terminar de construir o ‘cômodo’, trazendo aos poucos do Brasil materiais de construção e culminando no dramático momento, horas antes da chegada do Papa, em que volta de nosso país trazendo um vaso sanitário na garupa da bicicleta. Como se não bastasse esse sofrimento, um desentendimento com o fiscal faz com que Beto tenha que trazer o ‘toque final’ de suas meninas-dos-olhos nas costas, correndo enlouquecidamente a fim de não desperdiçar o fluxo de pessoas que já se instalava em Melo no momento. A partir daí, segue-se uma série de eventos que chegam a doer na alma do espectador, com leves pitadas de humor que fazem tilintar até o mais insensível. Um maravilhoso filme cuja principal virtude é sua simplicidade de espírito e a ‘cara limpa’ com que expõe as mazelas de uma região em dificuldades.

Leia mais em http://www.imdb.com/title/tt0482901/

FIGHT CLUB (1999)

Tenho como máxima que filmes realmente bons passam pelo ‘teste da segunda vez’, ou seja, não perdem o encanto quando os vemos novamente. Pelo contrário, as obras da sétima arte realmente contundentes parecem ficar melhores a cada ‘assistida’, quando nos atemos a novos detalhes e constatamos os meandros de películas consideradas geniais.
Clube da Luta se enquadra nessa categoria, se trata de uma obra-prima do cinema moderno. Grande parte desse mérito se deve ao brilhante David Fincher, ex-diretor de videoclipes e também responsável por um dos mais efetivos thrillers sobre serial killers já feitos, 7even. Outro quinhão do êxito pertence a Chuck Palahniuk, autor do livro homônimo, cuja originalidade do tema e brilhantismo ao criticar de forma sagaz e ácida o capitalismo norte-americano, metaforicamente ‘deu um soco’ na cara de cinéfilos que há muito não tinham pela frente tamanha quebra de paradigmas.
Afinal, com que freqüência se vê um filme cujo protagonista, um típico baby boomer escravo do capitalismo e insone de carteirinha se torna o líder de uma organização de submundo? Some-se a isso o já conhecido mote da esquizofrenia, que em Clube da Luta atinge outras proporções, magnificamente melhor exploradas que outros filmes que abordaram o assunto geralmente sob a ótica de assassinos seriais.
As origens de Fincher se tornam inconfundíveis no uso preciso de computação gráfica na abertura e em outros momentos específicos do filme, na dose ideal, sem extrapolar. A escolha da trilha musical, basicamente música eletrônica, também acerta em cheio, ao ambientar o nervoso ritmo da vida moderna em que os personagens interagem.
Some-se a isso a melhor interpretação das carreiras de 3 talentosíssimos atores da última geração de Hollywood: Brad Pitt (longe do galã convencional de Doze Homens e um Destino ou tantos outros onde seus cabelos loiros e os olhos claros já bastavam para cativar a audiência feminina), Edward Norton (pela primeira – e única vez, em minha modesta opinião – tendo 100% de sua brilhante capacidade dramática aproveitada) e a fúnebre Helena Bonham Carter, que tem por regra desempenhar bem papéis obscuros em filmes da mesma natureza, como Sweeney Todd – o barbeiro da Rua Fleet.
Apesar da aparente audácia dessa informação, pode ainda ser tido como um bastião do cinema social, ao sugerir que o American way of life imposto ao mundo pelo domínio midiático dos yankees ‘pode não ser’ o ideal de sucesso que as pessoas vêem na telinha. Tamanha abstração em agradar a quem quer que seja, por si só, já vale uma olhadela. Eu mesmo, confesso, já dei mais de dez.

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)

O espanhol Pedro Almodóvar é provavelmente o cineasta mais representativo de seu país desde o lendário Luis Buñuel e, ainda mais possivelmente, o autor que represente com maior destreza e sensibilidade na telona o universo feminino. Seu drama com toques cômicos Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos é muito mais leve e bem menos trágico que grandes hits como Má Educação, Tudo Sobre Minha Mãe e Volver - nem por isso falha em retratar deliciosas nuances do sexo frágil.

O delicioso enredo conta a história de um triângulo amoroso, que mais adiante acaba virando um quadrado; há, ainda, a formação de um segundo triângulo na trama. Tudo em família, no entanto. Algo bem latino. A atriz Pepa (encarnada pela inspiradíssima Carmen Maura) acaba de terminar um relacionamento de muitos anos com seu amante Iván (vivido pelo carismático Fernando Guillén), que a evita por ter arrumado outra amante. Para despistar Pepa e sua esposa, Iván diz a uma que vai viajar com a outra, e vice-versa. A confusão se torna ainda maior quando a ingênua Candela ( María Barranco), amiga de Pepa, se envolve com terroristas xiitas e busca apoio com a amiga. No apartamento de Pepa, recém disponibilizado para o aluguel, surgem o filho de Iván, Carlos (Antônio Banderas, em participação apagada) e sua noiva. Junte-se a isso um gazpacho turbinado com remédios que Pepa preparou para dar cabo de Iván e o resultado será um final surpreendente. Ótimo entretenimento, original, belíssimo visual (a preocupação com as cores, leia-se fotografia, é digna de louvor), takes inesperados e uma direção marcada. Com tantos predicados, não é de se estranhar que 85 minutos passem em um piscar de olhos.

RUSHMORE (1998)

Há poucos diretores no circuito 'comercial' de hoje em dia que fazem os ditos 'cinemas de autor', onde pequenos detalhes estéticos ou outro tipo de nuances nos dão a idéia da 'assinatura' do cineasta.

Meu preferido, atualmente, é PTA (Paul Thomas Anderson, dos magníficos Magnólia e Sangue Negro). Mas Wes Anderson, em sua pequena filmografia de sete filmes, já conseguiu estabelecer esse estigma. Em Rushmore, seu terceiro trabalho, nota-se um esmerado trabalho em construir todo um mise-en-scene característico, algo que raramente se percebe hoje em dia.

É esse o tipo de detalhe que transforma uma comédia/drama que, na mão de algum Zé-Ninguém pau mandado de estúdio em uma obra que se distingüe da média por sua originalidade e carisma. E claro, há a mão de Anderson na brilhante condução de atores até então estreantes, como o protagonista Jason Schwartzman (presente em seu mais recente filme), um jovem líder estudantil bolsista na prestigiada escola Rushmore. Nessa escola, o cheio-de-lábia e não tão brilhante e estudante (que se destaca em atividades como peças de teatro e na condução da equie de esgrima, entre várias outras extracurricularidades), conhece os outros antagonistas principais, a professora Rosemary Cross (Olivia Williams) e o empresário Herman Blume (vivido pelo sempre impassível Bill Pullman). A história toma contornos de triângulo amoroso - platônico da parte de Max Fischer. Fischer faz de tudo para conquistar o amor da professora, até constrói um aquário, com a ajuda de Blume.

Este e muitos outros episódios insólitos conferem à estória tem um desenrolar delicioso e cativante, cheio de presença de espírito e personagens apaixonantes. Passa voando e deixa saudades, como qualquer coisa que não se está acostumado a ver com freqüência.

O ESCAFANDRO E A BORBOLETA

Muitos filmes já foram rodados sobre pessoas que enfrentaram restrições físicas (Meu Pé Esquerdo, Perfume de Mulher, etc.) e quase todos geralmente rendem indicações para importantes prêmios, vide que os dois referidos renderam a estatueta do Oscar de melhor ator a, respectivamente, Daniel Day-Lewis e Al Pacino. O 'problema' desse tipo de filme, se é que se pode intitular assim a sua essência, é o alto teor 'lição de vida' inerente a eles.
Um outro exemplo dessa classe é o francês O escafandro e a Borboleta, indicado aos Oscar de direção e melhor roteiro, que trata da história de um editor de uma conhecida revista de moda que sofre um AVC e acaba virando portador da rara Síndrome do Encarceiramento, mal que retira todo e qualquer movimento corpóreo do protagonista, a não ser a visão de seu olho esquerdo, com o qual consegue piscar e assim comunicar-se. O então desfigurado Jean-Do passa a enfrentar uma rotina diária de exercícios de fonoaudiologia e fisioterapia, comunicando-se com sua pálpebra através de uma piscadela para a palavra SIM e duas para a palavra não. Os dias vão passando, e o encarceirado em seu próprio corpo, ou escafandro, na metáfora do próprio, vai recebendo visitas dos filhos com a ex-mulher, de amigos e até mesmo da amante inicialmente relutante. A volta a tona de emoções já esquecidas com o surgimento de sensações até então desconhecidas antes da ingrata condição acabam motivando Jean-Do a 'ditar' um livro de memórias, principalmente sobre suas impressões de enclausurado, a uma 'secretária' com a qual acaba construindo uma nobre cumplicidade. A bem-sucedida obra o acaba motivado a publicar um novo livro, sobre os mistérios femininos, ânimo esse que veio capitaneado com o progresso conseguido por sua bela fonoaudióloga (resmungos de palavras e ensaios de cantoria de algumas melodias). Justamente nesse crescente, o protagonista acaba contraindo uma pneumonia fulminante, que em dez dias o faz entrar em óbito.
Toda essa árdua trajetória é orquestrada com poética maestria pelo diretor norte-americano Julian Schnabel, merecidamente indicado à última edição da maior festa do cinema mundial, o qual soube conduzir magistralmente o excelente Mathieu Almaric e a comovente Emmanuelle Seigner e todo o resto do competentíssimo elenco. A atmosfera acolhedora do hospital, da sacada onde Jean-Do descansava e da praia onde foi passear com sua família no dia dos pais, tudo um ótimo trabalho da direção de imagem.
Uma obra realmente digna do padrão de qualidade e desapego ao cinema de alta tecnologia que os europeus conseguiram. Justamente por isso, talvez, tenha sido tão injustamente negligenciado no Oscar.

MICHAEL CLAYTON

O personagem-título, vivido por George Clooney, é o faz-tudo de uma poderosa firma de advocacia. Encarnado por Tom Wilkinson, o famoso advogado Arthur Edens é peça-chave dentro dessa companhia, sendo responsável pelos mais importantes casos da mesma - o último deles tomando forma dentro da trama. Tilda Swinton, ou Karen Crowder, é o contraponto do enredo, a 'litigante' no caso em que Arthur deveria ajudar, mas atrapalhou, em uma série de trapalhadas desencadeada por seu comportamento maníaco-depressivo potencializado por uma eventual resistência à medicação.

No desenrolar dessa teia jurídica muitas vezes vista em outras ocasiões na telona, observa-se boas interpretações, mas nada passível de indicações ao Oscar® (os três profissionais citados no primeiro parágrafo receberam nomeações) e tampouco de receber o prêmio, como aconteceu com a inglesa Tilda Swinton na categoria Melhor Atriz Coadjuvante. As nomeações para melhor filme e melhor diretor também excederam o limite do bom senso, talvez pela safra limitada desse ano de alerta para uma possível recessão norte-americana e à já abortada greve dos roteiristas daquele país.

De mais a mais, é um filme redondo - uma história convincente, bem contada. Não agrega, mas não aborrece. Para os que ainda não saturaram de assistir tramas jurídicas, é boa diversão.

ALL THE PRESIDENT'S MEN (1976)

O famoso Caso Watergate, onde o controverso ex-presidente norte-americano Richard Nixon perdeu o cargo por ver seu nome envolvido diretamente em espionagens políticas, é o mote desse maravilhoso thriller político baseado no livro escrito pelos jornalistas Bob Woodward e Carl Bernstein (interpretados respectivamente por Robert Redford e Dustin Hoffman). O maior mérito do americano Alan J. Pakula ao dirigir Todos os Homens do Presidente foi transpassar ao público com maestria a enorme abrangência do escândalo, recriando a atmosfera instável da época através de um registro histórico memorável. Dentro do que se propõe: é impecável no cristalino objetivo de retratar o Caso Watergate tão detalhadamente quanto o pouco mais de duas horas de duração da película permitiram. Leia-se que o duelo branco entre Redford e Hoffman, protagonistas cinematográficos de toda uma geração, acrescenta, E MUITO, ao filme. Tão voluntariosas quanto impetuosas, poder-se-ia dizer que ambas as performances carregaram o time nas costas caso não fosse injusto negligenciar o poder do roteiro (nem sempre casos bombásticos como esse são retratados de maneira tão exemplar na telona), da direção firme e precisa aliada ao compromisso com a verdade. Não é mais um filme sobre jornalismo, nem apenas uma outra obra sobre a política e seus complicados meandros. É a união genial de elementos cinematográficos selecionados a dedo em prol do nobre objetivo de provar que a sétima arte pode ser tão produtiva culturalmente quanto queiram emissor e receptor. É a prova de que o cinema não precisa ser “cult”, na acepção da palavra, para fugir da prateleira dos “enlatados”. Leia mais: http://www.unificado.com.br/calendario/08/watergate.htm

BATTLESHIP POTEMKIN (1925)

Fosse o nosso presidente Lula um grande apreciador de cinema, possivelmente usaria uma de suas metáforas futebolísticas para intitular Sergei Eisenstein como o “Pelé da Telona”. Na hipótese acima mencionada, o petista não estaria apenas mascarando uma simpatia pela orientação política recente da nação do russo, mas endossando a opinião de muitos admiradores da sétima arte. Assim como é absurdo cogitar se a genialidade de Pelé seria compatível com sua fama seria a mesma caso atuasse nos dias de hoje, a recíproca é verdadeira no caso de Eisenstein. O diretor, conhecido pelo uso extensivo da dialética, talvez pela natureza sociopolítica de sua obra, talvez pelas restrições do cinema mudo ou até mesmo por conceber o fruto de seu trabalho com uma conotação de utilidade pública ao invés de mero entretenimento, seria fatalmente um fracasso de bilheteria nos dias de hoje. Sua obra-prima, O Encouraçado Potemkin, estaria fadada à alcunha de mais um enfadonho filme de guerra nos dias de hoje. A visão totalmente errônea (pra não dizer mais) é soterrada por uma avalanche de fatos. O primeiro é a isenção do cineasta ao retratar o comportamento de seu próprio povo diante da revolução, demonstrando que os russos, assim como qualquer outro povo, tem qualidades e defeitos, guardam ódio e rancor, mas também demonstram amor e piedade – ao contrário da maioria dos filmes de guerra de hoje, onde os americanos tem sempre razão e a força motriz do filme é quase sempre uma love story, com raras exceções. No aspecto técnico, vale a pena ressaltar o cuidado com a trilha sonora, sempre encomendada à grandes nomes do cenário clássico russo. No “Encouraçado” em particular, grande parte do suspense e do sofrimento dos protagonistas era embalado pela sonoridade. No que tange ao seu ofício em si, Eisenstein proporcionou uma seqüência antológica, onde o exército russo persegue e esmaga sem piedade os dissidentes do regime de miséria em que vivem, não perdoando nem mesmo deficientes e uma criança recém-nascida, que escapa das mãos da mãe e desce velozmente por uma escadaria íngreme, desamparada à mercê dos rifles soviéticos. Dentro do que se propõe, passar a mensagem nua e crua que a revolução serviu apenas para mergulhar a Rússia em uma profunda depressão econômica, bem como dizimar a muitos de seus próprios cidadãos, o filme é brilhante. Podem dizer que o cinema mudo é pra museu, que a revolução é pra comunistas e que os russos só servem vodka, mas tomando-se como parâmetro a máxima de que “toda a unanimidade é burra”, fica a questão: o cinema seria o que é hoje sem a valiosíssima contribuição de Eisenstein? Fica a mesma pergunta para os fãs da indústria cultural... e se Senhor dos Anéis nunca tivesse sido lançado? O cinema continuaria sendo o mesmo? Provavelmente sim...

THE GRANDMOTHER (1970)

Ao lançar o curta The Grandmother, em 1970, David Lynch executava um ato semelhante ao de submergir o dedo dentro de uma banheira para ver se a água não está gelada ou quente demais. A primeira narrativa de Lynch parte de uma premissa relativamente simples. Afinal, quão atormentadora pode ser a história de uma família composta de pai, mãe e um filho sempre vestido de terno? E se, motivado por pesadelos corriqueiros, o garotinho encharca seu lençol de uma substância alaranjada, aparentemente urina, a qual seu pai enfurecidamente esfrega o rosto do filho contra após o ato consumado? E quando o menino, já cansado de atmosfera nociva onde vive, tanto física quanto psicologicamente, resolve “plantar” uma semente estranha em cima de sua própria cama e dali nasce uma senhora, que supostamente é sua avó? Lynch, à época com apenas 24 anos, provou ser possível a um diretor ser fiel aos seus princípios e não ter que vender a alma para poder ingressar em Hollywood. Desde então criou sua identidade controversa, onde as restrições orçamentárias não foram suficientes para impedi-lo de criar uma atmosfera sinistra, bizarra e perturbadora (sua marca registrada) mesmo fazendo uso dos mais básicos efeitos sonoros e visuais, restritíssimo elenco e locações e o seu ímpar talento de confundir, e ao mesmo tempo fornecer a maior liberdade possível de interpretação, ao público. Felizmente, estava morna a água da banheira.

BABEL (2006)

Se existisse um “teorema” sobre os indicados ao Oscar® de melhor filme, certamente um dos elementos da forma seria a conotação social. Tal teorema já foi provado quando Crash, do canadense Paul Haggis, levou a estatueta mais desejada da noite da festa da Academia, em 2006. O filme tinha como mote o ataque às diferenças sociais e raciais nos Estados Unidos. Nesse ano, o representante da fórmula chama-se Babel, do mexicano Alejandro González Iñarritú, um dos mais novos rebentos de Hollywood. Credenciado pela densidade psicológica de seus dois últimos, e ótimos, thrillers – Amores Brutos e 21 Gramas (o primeiro muito melhor e mais profundo que o segundo) -, Iñarritú elegeu a estrutura já batida de quatro estórias fragmentadas (que, como já se sabe, vão se entrelaçar mais cedo ou mais tarde no filme) para passar a mensagem que todos têm seus problemas, sejam ricos ou pobres. E onde se encaixa a conotação social de Babel? O próprio título do filme, como a bíblia conta, sugere uma confusão de idiomas, gerando desentendimentos entre os interlocutores. O primeiro núcleo, dos marroquinos (representando os árabes em geral), é brilhantemente caracterizado, seja pelas filmagens nas locações em Casablanca, seja pela veracidade e trajes típicos dos atores, seja pelo idioma falado ser o corrente na região (ao invés do inglês) e principalmente pelo drama passado pelos habitantes, que em alguns momentos parece tão real como se fosse em um documentário. Dito isso, nunca é demais ressaltar quanto sofrem os países subdesenvolvidos em geral, até mesmo negligenciando sua soberania nacional, quando turistas ricos (leia-se americanos e europeus) têm seus interesses feridos e a qualquer acidente resolvem evocar o demônio do terrorismo para justificar toda e qualquer barbárie contra inocentes. Une-se ao primeiro núcleo o grupo dos turistas, capitaneado por Brad Pitt (que depois de Clube da Luta parece fazer sempre o mesmo papel, por mais que se esforce) e a espetacular multi-facetada Cate Blanchett. Nesse grupo, a mensagem é simples: o desprezo pelo próximo (que não possua os bens materiais para igualar-se a sua condição social). Conecta-se aos americanos em viagem de turismo à realidade dos imigrantes mexicanos nos Estados Unidos, encarnada pela senhora que cuida dos filhos de Pitt e Paltrow. Surge aí a figura de Gael García Bernal, infelizmente muito mal aproveitado; no papel secundário de sua tia, a impressionante Adriana Barraza. Ambos são mensageiros do imenso preconceito que os 'hermanos' sofrem dos yankees. Ela, por ser imigrante ilegal há vários anos no país, sendo deportada sem dó nem piedade. Ele, simplesmente por ser mexicano, é rechaçado pelo típico policial norte-americano de fronteira boçal. Fecha o quebra-cabeça uma parte tão inesperada quanto desnecessária, a que trata da realidade de uma adolescente japonesa surda-muda e suas pares. Pode-se dizer que as agruras sua deficiência lhe proporciona e como ela luta para conviver com isso faça parte do projeto de crítica social proposto por Iñarritú, mas simplesmente não encaixa. Cenas fortes parecem tentar apelar para a atenção do espectador, mas esses trechos simplesmente parecem saídos de outro filme. Mal fundada também a tentativa de soldar as peças no final, aliando o núcleo japonês ao árabe, apenas pra fechar o roteiro. O único mérito foi a tocante atuação da adolescente em questão, Kôji Yakusho, que foi de tirar o fôlego e o chapéu mais uma vez para a incrível capacidade de Iñarritú de drenar o melhor de seus atores. No final das contas, Babel é um forte candidato ao Oscar desse ano, principalmente por reunir outro dos ingredientes necessários ao “teorema da vitória”: a falta de originalidade.

THE QUEEN (2006)

A popularidade de programas como Big Brother e outros inúmeros reality shows demonstra quão grande é o interesse do público em saber da vida alheia. Se acompanhar a rotina de anônimos já é saboroso, qual seria o apelo de “estar por dentro” da vida de celebridades? Exclua-se daí o cotidiano de artistas, cuja vida é um livro aberto, escancarado até. Qual personalidade poderia ter detalhes suficientemente interessantes para serem revelados? A resposta é dada pelo diretor inglês Stephen Frears, cujo maior mérito até então havia sido a comédia cult musical Alta Fidelidade. Frears encontrou na controversa figura da rainha Elizabeth subsídios para filmar o que poderia ser chamado de um documentário “biográfico-romanceado” onde o simples torna-se complexo e o corriqueiro é algo aquém da vida do cidadão normal. O grande mérito de A Rainha é esmiuçar atos triviais da soberana britânica, como caçadas na casa de veraneio real até sua fragilidade ante um eixo de jipe quebrado, por exemplo. Igualmente importante na construção do personagem foi a preocupação em retratar traços importantes de sua personalidade, como a soberba e a mão firme que os monarcas devem ter, e a ponderação para assumir a postura contrária, com humildade e sapiência, em ocasiões adversas. Foi brilhante a escolha do momento histórico – no caso, a morte da princesa Diana e futuros desdobramentos – como pano de fundo no roteiro. Foram humanizadas as figuras da rainha Elizabeth, príncipes Philip e Charles e do primeiro-ministro Tony Blair, com destaque para a atuação magnânima de Helen Mirren como protagonista, fato este já consolidado pelos 22 prêmios que o papel já rendeu a atriz. Não menos importante foi a contribuição de Michael Sheen na carne de Blair, cuja relativa semelhança com o original parece ter contribuído sobremaneira em sua convincente “dobradinha” com Mirren. O já combalido James Cromwell, conhecido por sua atuação em “Babe o porquinho atrapalhado” pouco contribui na pele de Philip, bem como Alex Jennings na pele de Charles. Ambos passam batidos, como na realidade. Sendo assim, A Rainha é perfeito no que se propõe. Mesmo seguindo a premissa de que o cinema é a arte da ilusão e, sendo assim, muito do que é mostrado possa ser apenas conjecturas ou adaptações para melhor digestão do público, fica difícil acreditar que tudo ali não seja a mais pura verdade. É o típico caso em que o resultado é muito melhor que a encomenda.